Что заставляет зрителя сопереживать анимационной истории и верить ее персонажам? Как создавать интересных и «живых» мультипликационных героев? Что делает анимацию увлекательной и захватывающей? Встречайте материал из нашего дайджеста с советами преподавателя школы AnimationMentor Даны Бодвей-Мейссон и комментариями супервайзера анимации студии «Паровоз» Маркела Мартынова. Выпуск основан на переводе статьи блога школы AnimationMentor. Приятного чтения!
Одна из главных задач аниматора — создать историю и персонажей, которым смогут сопереживать зрители. Чтобы вовлечь зрителя в действие, кадры мультфильма должны быть привлекательными по композиции, позам, ритму и фразировке, а также содержать актерские решения, которым поверит зритель. Персонажи должны выглядеть так, как будто они живут и думают самостоятельно, реагируют спонтанно, свободно общаются и действуют по собственному наитию. Поэтому, когда дело доходит до планирования и исполнения кадра, перед аниматором стоит очень большая задача.
10 ЛУЧШИХ СОВЕТОВ АНИМАТОРАМ
1. НЕ ПЕРЕГРУЖАЙТЕ КАДРЫ
Не перегружайте свои кадры, убирайте все лишнее. Часто аниматоры пытаются втиснуть в кадр слишком много информации, мешающей зрителю воспринимать игру персонажей, и в итоге она становится «нечитаемой».
Не заставляйте персонажа постоянно двигаться! Моменты статики в сочетании с движением — это именно то, что действительно делает кадр «живым».
2. НЕ ДОБАВЛЯЙТЕ ЛИШНИЕ ПОЗЫ ПЕРСОНАЖАМ
Определите эмоциональное состояние персонажа в кадре. Меняется ли это состояние? Если да, определите время, когда происходят изменения. Эти эмоциональные или ментальные состояния могут и должны быть единственными ОСНОВНЫМИ ИЗМЕНЕНИЯМИ ПОЗЫ вашего персонажа. Не меняйте позы только потому, что в диалоге появился новый акцент! Диалог не управляет действиями персонажа, ими управляет мысль.
Выберите несколько основных поз для передачи эмоционального состояния персонажа, затем сосредоточьтесь на корректировке и добавлении второстепенных жестов в каждой позе. Нет необходимости добавлять новую позу каждый раз, когда меняются эмоции персонажа.
3. НАПИШИТЕ «ПАРТИТУРУ И ХОРЕОГРАФИЮ» АКТЕРСКОЙ ИГРЫ ПЕРСОНАЖЕЙ
Органичная актерская игра анимационного персонажа — это луковица, которая имеет много слоев. Можно воспринимать построение роли героя, как процесс написания музыки — наложение ритмов друг на друга для создания интересной текстуры и синхронизации в анимации. Эти ритмы должны поддерживать ваши актерские решения и улучшать исполнение в целом. В контексте «действия в позах» эта концепция очень важна!
Текстуру и ритм вашей анимации можно сравнить с хореографией, поставленной под музыкальную партитуру. Для создания полной композиции необходим широкий спектр элементов, таких как ноты (низкие, высокие), темп (adagio, allegro), уровень громкости (piano, forte и т.д.).
Не забывайте и о звуке/диалогах. Физические движения и звуковые ритмы должны танцевать друг вокруг друга, а иногда и сближаться, когда необходимо сделать акцент. Моменты неподвижности создают актерские паузы.
|
||
 |
||
|
«Прежде чем аниматор приступит к работе, он должен внимательно вслушаться в реплики, звуки персонажа или сцены, подметить каждый вздох или всхлип актера озвучки, услышать, с какой интонацией он проговаривает то или иное действие персонажа. На этом этапе уже можно понять приблизительный тайминг анимации, почувствовать настроение будущей сцены, где будут расставлены основные акценты в позах, в каком месте будет уместней использовать те или иные жесты и эмоции, где герой будет статичным или делать паузы.»
|
4. НЕ ЗАБЫВАЙТЕ ПРО ПАУЗЫ
Дайте персонажу время для перехода от одной эмоции к другой. Очевидным примером для описания этой концепции является прыгающий мяч, когда одна сила (энергия отскока) иссякает, а другая сила (гравитация) начинает брать верх, наступает момент зависания, когда мы видим, как происходит смена сил.
В эмоциональном плане, когда персонаж испытывает одну эмоцию, а в кадре происходит что-то, заставляющее его чувствовать нечто другое, ему необходим момент обработки мыслей, прежде чем произойдет смена эмоций. Без этого момента актерская игра не будет выглядеть спонтанной или правдоподобной.
Вам нужно встроить «удары мяча» в анимацию, чтобы показать зрителям, что персонаж мысленно впитывает события, происходящие в кадре, и обрабатывает их. Я называю это микропаузами. Микропауза может быть быстрой, но она должна быть читаемой.
5. НЕ НАЧИНАЙТЕ АНИМАЦИЮ С НЕЙТРАЛЬНОЙ ПОЗЫ РИГА НИКОГДА не начинайте анимацию с нейтральной позы рига. Это НЕ нейтральная поза: это поза по умолчанию, используемая для риггинга! Она заставляет персонажа чувствовать себя невероятно шаблонным и статичным.
Определите основные черты вашего персонажа и создайте его «нейтральную позу». Подумайте, как он может стоять или сидеть, когда ничего не делает? Только после этого создавайте анимацию с эмоциями персонажа для определенной сцены. Таким образом вы гораздо быстрее и легче уловите индивидуальность персонажа.
6. ПРИДАЙТЕ ДВИЖЕНИЯМ СВОЕГО ПЕРСОНАЖА ОПРЕДЕЛЕННЫЙ СТИЛЬ
Реакции, походка и позы персонажа могут рассказать о нем больше, чем его внешний облик. Они полностью зависят от характера героя и должны подчеркивать его индивидуальность. «Сформулировать» стиль движений персонажа поможет создание личной картотеки поведения и пластики как людей, так и животных. Один из богатейших источников вдохновения для этого — танцевальные стили.
|
||
| |
||
|
«В этом эпизоде главная героиня мультсериала „Сказочный патруль“ танцует хип-хоп. Резкие и быстрые движения уличных танцев отлично подходят под озорной и веселый характер Аленки. Подбор пластики различных танцевальных стилей к характеру героя помогает более наглядно показать натуру персонажа. К примеру, доброму сердцу Снежки соответствуют медленные бальные танцы, гордой и независимой Варе — энергичные латиноамериканские, а для эрудированной Маши больше подходит балет».
|
7. ИСПОЛЬЗУЙТЕ ЛИНИЮ ДЕЙСТВИЯ ДЛЯ ЛИЦЕВОЙ АНИМАЦИИ
Известно, что ключевым элементом для создания динамичных поз тела является ЛИНИЯ ДЕЙСТВИЯ. Другими важными линиями являются линии плеч и бедер. Противопоставление этих линий помогает подчеркнуть линию действия и сделать позу активной, а не статичной.
Линию действия можно использовать и для лицевой анимации, если поставить точку прямо посередине между бровями, на кончике носа (представьте, что у персонажа есть нос), посередине губ и в центре подбородка, и соединить эти точки линией.
8. ЗАДЕЙСТВУЙТЕ ДЛЯ АНИМАЦИИ ВСЕ ЧАСТИ ТЕЛА ПЕРСОНАЖА
Каждая часть тела должна выражать индивидуальность и эмоции персонажа. Части тела, которые легко упустить из виду, — это плечи, колени, ступни и, хотите верьте, хотите нет, руки. Отсутствие выразительности в некоторых частях тела персонажа оставляет ощущение, что он не полностью вовлечен в актерскую игру. Это снижает общий уровень энергии.
9. НЕ БОЙТЕСЬ ЭКСТРЕМАЛЬНЫХ ПОЗ!
Ладно, ладно… технически преувеличение — один из 12-ти принципов анимации… но его часто упускают из виду.
Во время работы над позой она может показаться слишком экстремальной, но помните, что при воспроизведении сцены на полной скорости этот кадр становится довольно «смазанным» для глаза.
Для того, чтобы поза получилась с той энергией, которая требуется анимации, часто приходится идти дальше, чем вы думаете, даже в более тонких, менее «физических» кадрах.
Это не значит, что каждый кадр должен быть полон безумных выходок. Обязательно уравновешивайте крайности тонкостью там, где это уместно.
Именно сопоставление противоположностей придает анимации БОЛЬШУЮ энергию и жизнь.
Если вы хотите сделать вашу анимацию более мультяшной, придайте позам больше контраста (т.е. измените изгибы позвоночника, преувеличьте смещение веса TY, сжимание и разжимание), ускорьте смену поз и преувеличьте «мазок» в динамических паузах, чтобы помочь зрителям проследить за быстрыми переходами.
|
||
| |
||
|
«„Мазки“ или „smear-frame“ придумал в 40-ые годы известный аниматор Чак Джонс („Багз Банни“, „Том и Джерри“). В основном ими пользуются для демонстрации большой скорости перемещения персонажей или объектов. Безусловно, в середине 20 века „мазки“ позволяли студиям экономить время на прорисовку. Сначала в Warner Bros были против этой идеи и даже хотели уволить Чака Джонса, но из-за желания отойти от диснеевского стиля анимации, Warner Bros с помощью Джонса пришли к „мультяшному“ стилю. Умение пользоваться „мазками“ позволяет аниматору за короткий момент времени передать зрителю больше информации, обеспечивая персонажу возможность быстро „перетекать“ из одной ключевой позы в другую».
|
10. ЧИТАЙТЕ ПОДТЕКСТ. АНИМИРУЙТЕ МЫСЛИ ПЕРСОНАЖА, А НЕ ЕГО СЛОВА
Вы получите гораздо больше удовольствия от анимации, если сможете проникнуть в голову персонажа, чтобы впоследствии впустить туда и зрителя.
Анимация под диалог персонажа обычно дает довольно одномерный результат, не включая в него подтекст. Чтобы понять, как анимировать мысли персонажа, выпишите диалог на бумагу, оставляя пробелы между строчками. Затем другим цветом напишите, что персонаж «думает» прямо под тем, что он говорит. Теперь анимируйте эти мысли, а не произносимые слова.
Мысли персонажа будут зависеть от контекста кадра. Что произошло непосредственно до этого, и что будет после. Есть ли у персонажа что-то на уме, что он не выдает наружу? Какое-то внутреннее волнение? Горе, радость или ненависть, которые сидят у него внутри?
Подписывайтесь на нашу рассылку!
В дайджесте студии «Паровоз» много интересных и полезных статей, способных заинтересовать как любителей, так и профессионалов анимации:
